Nous étions trente-deux
personnes à participer à ce café philo, le vendredi 26 septembre 2014, au
centre culturel de Bouffémont, sur le thème : « L’artiste est-il maître de son
art ? », sujet donné au bac 2014.
Les thèmes pour les prochains
cafés philo ont été confirmés :
+ Vendredi 31 octobre 2014 :
« Notre époque aurait-elle oublié la joie ? »
+ Vendredi 28 novembre
2014 : « La science pourrait-elle sauver le monde ? »
Le thème du café philo de ce
soir a été préparé et animé par Patricia Glonneau, Catherine Delaunay, et
Pierre Haller.
Jeannine Dion-Guérin a lu un
de ses poèmes.
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Contribution de Patricia Glonneau
L'artiste est-il maître de son oeuvre ?
Que des termes en apparence
simples, mais j'ai préféré avoir recours à mon fidèle dictionnaire:
Artiste:
Au sens archaïque, celui qui exerce un art, un
métier ; donc c'est un artisan (le terme "artisan" étant
relativement récent, dérivé de l'italien "artiggiano" à la
Renaissance).Au sens que nous connaissons: personne qui se consacre aux
beaux-arts (de préférence plastiques: peintre, sculpteur, graveur).Ce sens
n'est apparu qu'au XVIIIème siècle. Nous avons une troisième signification, par
opposition à l'auteur ou au compositeur ; celui qui interprète une œuvre,
qu'elle soit théâtrale, cinématographique, ou musicale. Il interprète vraiment,
il n'est pas le créateur. Celui qui ne peut pas être le maître de son œuvre
Œuvre
Du latin opus/operis qui a donné opéra, c'est l'action de
travailler (se mettre à l'œuvre) mais aussi l'effet, le résultat d'un travail
déterminé et encore, l'ensemble de la production d'un artiste, d'un savant ou
d'un philosophe. (Zola: "je ne me défends pas, d'ailleurs, mon ouvre me
défendra").
Maître:
Du latin "magister" (maître, chef) mais aussi
de la famille de magnus (grand). C'est celui qui exerce une autorité, celui qui
dispose de quelque chose, spécialement dans l'ordre abstrait et moral. « Etre
maître de faire quelque chose » : en avoir pleinement le droit et les
moyens. C'est ce que pensait Corneille lorsque il écrivait « je suis maître
de moi comme de l'univers ».
Maître d'œuvre:
Désigne maintenant l'animateur d'une entreprise
collective intellectuelle (Diderot fut ainsi le maître d'œuvre de
l'Encyclopédie).C'est ici qu'on peut situer les artistes-interprètes qui
parfois se considèrent peut-être un peu trop comme possesseurs de l'œuvre. Ne
dit-on pas « As-tu vu le Tartuffe de truc ou machin » qui ne sont que
les metteurs en scène ? C'est un défaut de notre temps que de relecture en
relecture, l'auteur proprement dit est effacé. Et l'adjectif possessif
"son" apporte lui aussi son lot de problèmes. Cela fait beaucoup
d'étymologie, de définitions, mais cela nous dégage un peu de la définition
romantique de l'artiste et de son œuvre. J'ai un problème avec le mime à la
fois auteur et œuvre. (Le cinéma peut faire perdurer cet art.)
Donc l'artiste est un
artisan, son œuvre est son travail. A de rares exceptions près, celles
d'artistes n'ayant pas révélé leur œuvre de leur vivant, l'artiste travaille
pour quelqu'un, un mécène ou un commanditaire: Il y a un rapport de
réciprocité: œuvre contre paiement.
Cette œuvre a un auteur, qui
est un artisan spécifique puisque c'est un être inspiré qui créera une œuvre
inédite, originale, exclusive, destinée à être connue, reconnue et diffusée.
Ainsi Barrès a dit: "Vous êtes maître de votre décision, de votre choix,
mais nous ne sommes pas les maîtres des pensées qui naissent en nous". La
maîtrise technique ne constitue pas le seul aspect de la relation à l'œuvre.
Par exemple, la sonate est le
fruit d'un progrès technique, mais sans l'inspiration du compositeur elle ne
serait pas aboutie, pareil pour la symphonie.
Les impressionnistes
n'auraient pas pu travailler si la peinture n'avait pas été transportable.
Dans toute œuvre il y a un
processus d'élaboration, une création, l'existence d'un créateur inspiré.
Sinon le peintre n'est qu'un
décorateur, l'écrivain un copiste. J'ai à l'esprit la citation d'Henri Michaud
qui écrivait et peignait sous l'emprise de la drogue, et disait: « le
poète drogué est un poète, l'homme ordinaire drogué reste un homme ordinaire drogué
! ».
L'artiste est donc pleinement
l'auteur de son œuvre. En est-il pour autant le maître ? Oui, d'une certaine façon, parce qu'il la
monnaye. Non, parce qu'il s'en sépare, et ne sait pas comment elle va être
accueillie. Par exemple, la création
peut dépasser son auteur. Un auteur peut considérer son œuvre autrement que ne
le fera le public. Ainsi, Nicolas Gogol (Le revizor, les âmes mortes, le
journal d'un fou...) se vivait comme un auteur comique, alors que Pouchkine
après avoir lu ses œuvres en disait: "qu'elle est tragique notre Russie
!". On pourrait dire la même chose de l'œuvre de Tchekhov.
L'œuvre est destinée à être
exposée. C'est le souhait de son auteur. On raconte qu'Emmanuel Chabrier,
compositeur et employé de ministère, allait jusqu'à séquestrer ses amis pour
leur jouer ses œuvres, parfois pendant plusieurs heures d'affilée. Cela fait
partie de l'essence même de l'artiste de se mettre en danger en livrant l'œuvre
au public sans savoir à l'avance l'accueil qui sera fait. Les impressionnistes
ont été très mal reçus, d'où la création du Salon des Refusés, ce qui montre à
quel point ils avaient besoin d'être vus et potentiellement achetés.
Reconnaissance morale et financière.
A partir de l'instant où
l'œuvre est proposée, elle n'appartient plus à son auteur: il n'en est pas
vraiment le maître. Elle n'appartient pas non plus à quelqu'un d'autre. Le
collectionneur peut cacher ses tableaux. Mais le mélomane écoutera une œuvre
différemment selon son humeur, sa culture. Chopin peut paraître triste à l'un,
pas à l'autre. Le Boléro de Ravel peut durer de 13 à 22 minutes selon
l'interprète qui l'exécute. Une œuvre peut avoir un destin qui dépasse de loin
la vie de son auteur: on dit un Tartuffe, un Misanthrope. L'œuvre de Molière
est devenue patrimoine universel. L'auteur ne peut pas maîtriser le destin de
son œuvre. C'est un don à l'humanité. La liberté accordée à son œuvre par
l'auteur s'inscrit dans un humanisme de renoncement et de partage.
Je conclurai en ce sens par
une phrase de Renoir à propos du Déjeuner des Canotiers: « Mon tableau a
été exposé dans la salle à manger de Durand-Ruel jusqu'en 1923avant d'être
vendu au collectionneur américain Philipps.
Mais qu'importe ! La peinture appartient à celui qui la regarde ».
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Contribution de Catherine Delaunay
L'artiste est il maître de
son œuvre ?
Problématique : « derrière cette question se profilent deux problèmes :
-premièrement d'où vient
l'oeuvre d'art ? C'est le problème de son origine. L'oeuvre est enfantée
par l'artiste. Il semblerait donc que celui qui la réalise en est le père, la
seule cause, le seul responsable. Mais l'artiste ne crée pas à partir de rien,
ex-nihilo. Il crée à partir d'une époque, d'un lieu, d'une culture spécifique.
-Deuxième problème : que
devient l'oeuvre une fois enfantée, et l'artiste disparu ?
L'artiste en conserve t-il la
maîtrise ? Ou bien au contraire n'est ce pas la postérité qui s'en empare
pour la valide, l’encenser ou bien la critiquer voire l'effacer du paysage
culturel ?
Et d'ailleurs n'est ce pas le
propre des grandes oeuvres que d'être réinterprétées sans fin au cours des
siècles et de pouvoir parler, même aux hommes d'un autre temps ?
1) Dans un
premier temps il paraît évident que l'artiste contrôle son œuvre de part en
part.
1-d'abord parce qu'il est
le créateur, un inventeur, il en a la paternité et qui plus est il
l'inventeur d'une oeuvre unique, originale ; ceci par opposition aux
productions de la technique qui sont réalisées en série, identiques à elles
mêmes et que n'importe qui peut imiter.
2-ensuite l'artiste met en
oeuvre une « inspiration » c'est à dire une intuition
éminemment personnelle et subjective qui survient toujours de manière un peu
énigmatique, soir spontanément soit après un long travail. C'est cela qui fait
la richesse de l'œuvre. L'œuvre est construite à partir de la personnalité de
l'artiste, de son histoire, de ses émotions, de ses perceptions qui sont
uniques, de son imaginaire, bref au travers de son âme et de son intériorité.
Proust définissait l'art comme « l'expression des impressions et de
l'intériorité ».
3-l'inspiration peut être
géniale, on parle alors de génie capable de forger un nouveau courant de
peinture ou de musique ou autre. Diderot donne la définition suivante du
génie : « le génie est un sujet autonome, libre créateur de ses
propres lois ». Kant reprend et développe cette définition :
« le génie est un talent ou un don naturel qui donne ses règles à
l'art ». Donc ici deux idées :
- le génie ne s'apprend pas
il est inné, il est le résultat d'une disposition spontanée. On ne peut pas
enseigner à quelqu'un à devenir un génie. Le génie n'imite personne, c'est lui
qu'on imite. Et on l'imite d'autant plus,
-qu'il invente de nouvelles
normes, de nouvelles lois. Ce qui donne naissance souvent à de nouvelles
écoles.
4-Finalement ce qui
caractérise l'artiste au plus profond de lui même c'est sa très grande liberté.
Déjà Kant au 18ème définissait l'art comme « une production d'œuvres par
liberté ».
Par exemple l'idée qu'il y
avait des canons de beauté universels comme la proportion ou la symétrie. Par
exemple l'idée que l'art devait élever l'âme en représentant des sujets nobles
selon une finalité morale.
Or tous les grands courants
de l'art à la fin du 19ème siècle, par exemple de la peinture comme
l'impressionnisme, puis au début du 20ème siècle le cubisme, la fauvisme,
l'expressionnisme, l'art abstrait et conceptuel, tous s'inscrivent en rupture
avec les règles de l'art classique et les artistes revendiquent une liberté
totale.
Tous ces arguments iraient
donc dans le sens d'une œuvre dont l'artiste garde la maîtrise ; mais la
liberté n'interdit pas que s'exercent toutes sortes de contraintes.
2) Et pourtant
tut artiste crée dans un contexte et à partir de ce contexte. Il n'est pas
maître de ce contexte.
1-Pendant des siècles, tant
que l'art était réaliste et figuratif en occident, en gros jusqu'au 19ème
siècle, l'artiste devait se soumettre à la réalité extérieure, à la
nature, ou plus précisément à tout ce qui était représenté par l'époque comme
le réel le plus important. Le beau existait soit dans la nature, soit dans le
divin, il fallait le reproduire. Par exemple Platon 4ème siècle avant J.C. :
« La beauté nous manifeste l'ordre des choses ». Aristote au 4ème
siècle avant J.C. disait : « l'art imite la nature ». Léonard de
Vinci au 16ème siècle : « la peinture représente pour les sens avec
vérité et certitude les œuvres de la nature... » . Boileau au 17ème
siècle : « que la nature soit votre étude unique ».
Comme la nature et l'ensemble
de l'univers obéissaient à un ordre immuable que l'on croyait voulu par Dieu,
les œuvres de l'homme aussi devaient refléter ce grand principe d'ordre, d'où
toutes sortes de règles qui présidaient à la création de l'art comme
l'harmonie, l'équilibre, la symétrie, la mesure, la vérité, l'unité. Par
exemple souvenons-nous dans les tragédies classiques de la règle des trois
unités, de temps, de lieu, d'action. On voit que le contexte de l'art classique
et figuratif a imposé de nombreuses contraintes à l'artiste pendant de nombreux
siècles.
2- Parler de contexte
signifie aussi que l'artiste se réfère nécessairement à des thèmes qui sont
dominants en son temps et en son espace, c'est à dire dans un environnement
historique, culturel, religieux, politique, social donné.
Par exemple les conceptions
du sacré au Moyen-âge en occident étaient nécessairement inspirées par le
Christianisme. Avec la Renaissance, le sacré tient encore une place importante
mais l'Humanisme commence à imposer l'homme comme thème dominant.
A partir du 18ème et 19ème
siècle, les thèmes sociaux et politiques remplacent les thèmes religieux.
3-L'artiste crée à partir de techniques
et de connaissances de son époque.
Les outils du sculpteur grec
ne sont pas ceux du sculpteur africain ou de Rodin ou aujourd’hui de Niki de
Saint Phalle dont on parle tant. Dans le passé on sait que des inventions comme
la peinture à l'huile ont révolutionné la peinture.
De même pour les connaissances.
Au Moyen-âge, on n'utilisait pas la perspective car cela supposait des
connaissances en géométrie et mathématiques qui n'étaient pas encore en usage
chez les peintres.
4- Enfin aujourd'hui on
insiste beaucoup sur l'idée que l'artiste crée souvent à son insu à partir de son
inconscient. L'inconscient par définition l'artiste ne le maîtrise pas.
C'est bien sûr depuis Freud et la psychanalyse que cette idée s'est imposée.
Freud l'a appliquée à un tableau de Léonard de Vinci « La Vierge, l'enfant
et Saint Anne » et dans un souvenir d'enfance de Léonard de Vinci il croit
pouvoir démontrer comme l'œuvre cache et trahit les refoulements de l'enfance
de ce garçon illégitime qu'était Léonard. Au début du 20ème siècle, le
surréalisme avec Magritte et Dali reprend donc largement ces thèmes. La
création artistique serait un phénomène de sublimation, c'est-à-dire que
l'artiste à son insu exprimerait des pulsions partiellement refoulées et en
même temps il les métamorphoserait en une œuvre d'art. Nietzsche disait déjà
avant Freud comme un précurseur : « il faut avoir du chaos en soi
pour enfanter une étoile qui danse ».
3) Toute grande
œuvre est réinterprétée par chaque époque, elle échappe donc totalement à son
auteur.
Interpréter c'est décoder,
décrypter, dégager le ou les sens qui n'affleurent pas immédiatement dans un discours, un tableau, une symphonie. Voici la
définition qu'en donne Ricoeur dans son ouvrage « le conflit des
interprétations » : « l'interprétation est le travail qui
consiste à déchiffrer le sens caché dans le sens apparent, à déployer des
niveaux de signification impliqués dans la signification littérale ».
C'est-à-dire qu'il y a du sens mais qui est invisible, parfois volontairement
ou involontairement, caché ou refoulé. L'artiste n'est pas toujours conscient
de tous les sens et de tous les messages et de toutes les intentions qui se
sont croisées dans son œuvre. Ce sont le spectateur, le public qui
contribueront à la circulation de l'œuvre et même à sa recréation. Celui qui
contemple l'œuvre n'est pas totalement passif, il participe à la vie de l'œuvre.
En l’intériorisant, il la relie à des significations nouvelles apportées par
une nouvelle époque qui n'était pas compréhensibles auparavant. L'œuvre prend
donc une nouvelle vie par le regard du public à chaque nouvelle époque.
En même temps il y a toujours
le risque que l'œuvre soit menacée dans son objectivité. Les interprétations
peuvent défigurer les intentions de l'auteur. C'est ce qui est arrivé à Paul
Valéry, avec « Le cimetière marin » ou « La jeune parque ».
C'est pourquoi Valéry a mis les choses au point de la manière suivante :
« Mes vers ont le sens qu'on leur prête. Ce qui
compte c'est ce que j'ai
voulu faire et non voulu dire ». « Il n'y a pas de vrai sens d'un
texte, pas d'autorité de l'auteur. Le texte est un appareil dont chacun peut se
servir à sa guise, et l'auteur ne s'en sert pas mieux qu'un autre ».
« J'ai écrit une partition et je ne puis l'entendre qu'exécutée par l'âme
et par l'esprit d'autrui ».
compte c'est ce que j'ai
voulu faire et non voulu dire ». « Il n'y a pas de vrai sens d'un
texte, pas d'autorité de l'auteur. Le texte est un appareil dont chacun peut se
servir à sa guise, et l'auteur ne s'en sert pas mieux qu'un autre ».
« J'ai écrit une partition et je ne puis l'entendre qu'exécutée par l'âme
et par l'esprit d'autrui ».
Ce qui assure l'immortalité
des œuvres ce sont les interprétations que les siècles ultérieurs s'autorisent
à en donner.
Conclusion
L'œuvre d'art devient le lieu
de rencontre d'une communication des consciences par delà les siècles.
Créateurs et contemplateurs tentent de concilier la fidélité à l'esprit de l'œuvre
et sa résurrection accompagnée de renouvellement.
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Contribution
de Pierre Haller
« L’artiste est-il maître de son art ? »
Qu’est-ce que l’art ?
L’art est une mise en
spectacle du monde. Il l’anticipe et le structure. Il révèle l’ordre
sous-jacent de ce monde. Il révèle l’invisible. Il matérialise l’invisible
religieux, symbolique, mythique ou esthétique.
Qui est l’artiste ?
L’artiste est le révélateur,
c’est un créateur, il engendre une œuvre unique et inédite. Si le philosophe
crée des concepts pour comprendre le monde, l’artiste élabore des
« percepts » qui favorisent la perception des diverses dimensions du
réel. Mais il ne crée pas ces percepts à partir de rien. Il est lui-même issu
d’un contexte culturel et social. Il a, en principe, longtemps appris et
travaillé une technique, musicale, picturale ou littéraire. Le génie émerge de
ce travail sur un substrat matériel. Le travail de l’artiste émerge de la
subjectivité sensible et de l’objectivité technique voire scientifique du
substrat matériel. Le savant découvreur ou inventeur peut aussi être considéré
comme un artiste.
L’artiste musical ou théâtral
est celui qui crée l’œuvre ou celui qui l’interprète.
Le mécène tout comme l’acheteur
d’œuvres d’art est un élément du système artistique.
Être maître d’un art, ça veut dire quoi ?
Maîtriser la technique ? Être capable d’aller au-delà de la technique (la spezzatura de Raphaël (1483-1520)
: « le vrai art est celui qui ne semble être art ») ? Inventer
et maîtriser un style identifiable par le profane ? (Picasso) Interpréter,
réinterpréter une œuvre musicale ou théâtrale existante ? Respecter les
normes ? Transgresser les normes ? Créer des normes ? Inscrire
sa création dans un courant contemporain ? Interpréter le monde ?
Ré-enchanter, transcender le réel ? Inventer de nouvelles
techniques ? Utiliser à des fins artistiques de nouvelles
techniques (perspective, photographie, cinéma, BD, informatique)?
L’artiste fait l’art et l’art
fait l’artiste, on ne sait lequel est premier selon le principe de l’œuf et de
la poule.
L’œuvre collective ou individuelle.
+ Les œuvres collectives ont été souvent réalisées pour la gloire des
puissants, mais aussi avec une utilité symbolique, sociale ou de propagande
(pyramides, temples, cathédrales, monuments, châteaux, architectures et
infrastructures politiques du fascisme ou du communisme). Les grandes œuvres
collectives antiques mobilisant des moyens humains considérables comme la
grande muraille de Chine, les pyramides d’Égypte ou précolombiennes, les
cathédrales, les routes, les canaux avaient, au-delà de leur utilité
officielle, des fonctions multiples comme le prestige du prince et de sa cour,
l’occupation des hommes pour réguler la démographie, pour limiter et endiguer
les révoltes contre le pouvoir, pour affirmer la distribution des pouvoirs dans
les sociétés, voire comme chantiers de travaux forcés.
Ces œuvres appartiennent
aujourd’hui au patrimoine de l’humanité. Peut-être faudra-t-il aussi un jour
faire entrer dans cette histoire les souffrances des milliers d’esclaves,
serfs, condamnés aux travaux forcés, malades et accidentés du travail qui ont
participé à ces patrimoines de l’humanité.
Ces grandes œuvres ont fondé
des identités nationales, elles ont souvent permis à des artistes de concevoir
des œuvres décoratives remarquables réalisées dans des ateliers (sculptures,
peintures, vitraux, orfèvrerie, calligraphie, céramique, etc.)
Les maîtres d’œuvre de ces
ouvrages secondaires sont pour l’essentiel inconnus d’autant que les
constructions se sont souvent étendues sur des siècles.
Aujourd’hui les grandes œuvres
scientifiques ont partiellement pris le relais de ces œuvres
traditionnelles : Internet, conquête de l’espace (NASA, ESA), CERN, Human
brain project, les communautés scientifiques et universitaires mondiales. Les
princes bâtisseurs ont tendance à disparaître, pour laisser place à de grandes
administrations.
+ Les œuvres d’art individuelles, jusque vers le 19è siècle, ont été essentiellement
commanditées à des artistes reconnus par les puissants civils ou religieux. Les
plus reconnus de ces artistes, tels que Rembrandt, dirigeaient des ateliers
faisant travailler des apprentis et des compagnons sur l’œuvre qu’ils
signaient. Les thèmes étaient souvent imposés par les commanditaires et mécènes
qui assuraient à leur bon gré la subsistance matérielle des artistes. Quelques
catégories d’artistes semblent avoir pu se soustraire partiellement à la
tutelle des puissants : des troubadours, des saltimbanques, des poètes,
des marionnettistes, les musiciens
Les œuvres artistiques populaires sont réalisées par des milliers d’artistes anonymes
qui sont de simples vecteurs de transmission et des facteurs d’évolution dans
le temps,- sur des siècles-, et dans l’espace,-sur des milliers de kilomètres-,
de certains styles artistiques. Le film Latcho Drom
montre, par exemple, l’évolution de la musique « Rom» partie vers l’an mille
du Rajasthan à travers le Moyen-Orient, l’Europe centrale, l’Espagne jusqu’en
Afrique du Nord. Au cours des siècles, partout où ces populations errantes ont
passé, cette musique s’est enrichie d’éléments nouveaux, et en a laissé ses
traces sur place. Cette musique tzigane est un lien profond qui unit ce peuple
et qui lui a permis de survivre à des siècles de marginalité et de
persécutions. Le jazz a
également joué ce rôle pour les populations noires aux Etats-Unis. Les contes
populaires traversent le temps et l’espace grâce à des artistes anonymes qui en
sont les serviteurs et non les maîtres, mais qui sans cesse les réinterprètent
et les réinventent.
De temps en temps ces arts
populaires font émerger des personnalités repère de tout un courant artistique
(Homère, Monet, Django Reinhardt, Duke Ellington).
La production artistique anonyme est considérable partout et en tout temps : le
tricot, le tissage, la broderie, la sculpture, le modelage, la décoration,
l’orfèvrerie, toutes les pratiques artistiques d’amateurs.
L’expression artistique de
l’amateur est utile pour lui-même, pour son épanouissement personnel. C’est un
moyen de maîtrise du geste, du corps, du verbe, de l’esprit, un moyen de se
mettre en harmonie avec le monde et d’y apporter sa part de beauté.
L’art n’est pas le monopole des
institutions, des stars et surtout pas du marché. Les stars de l’art, comme
celles du sport, devraient être des repères pour donner envie de créer et
montrer le chemin aux amateurs, et non une fin en soi.
L’art-thérapie, est mis en œuvre à des fins d’épanouissement
personnel ou psycho-thérapeutique dans de vastes domaines artistiques allant de
la musique à la peinture. Le parcours créatif participe au processus
d’évolution de la personne et sa propre prise en main.
Le système de l’art dans notre société contemporaine fonctionne sur les interactions
d’institutions d’Etat ou privées, de marchés, de réseaux, de mondanités, de com’,
de rapports de forces, de compromissions, de finances. Il s’agit d’un ensemble
de contraintes auxquelles le talent de l’artiste doit se soumettre pour accéder
à la notoriété. L’artiste qui veut survivre doit passer sous bien des fourches
caudines et maîtriser autre chose que seulement son art. Il doit en particulier
maîtriser le langage et le jargon voire la logorrhée autoproduite par sa
spécialité. Le marché de l’art est un système complexe dont les acteurs sont
les États, les mécènes, les galeries, les grandes foires
internationales d’art contemporain (Paris, Bâle, Cologne, Hong Kong).
Peut--être aujourd’hui plus que jamais dans l’histoire autant d’artistes n’ont
trouvé moyen de s’exprimer. Nombreux sont les artistes qui bénéficient des
protections sociales de l’Etat que leur art seul ne permettrait pas. Il est
probable qu’Internet au niveau mondial fera connaître des Mozart, des Van Gogh,
du fin fond de la Chine ou de la Patagonie, mais certainement pas tous.
Les œuvres artistiques de grands spectacles comme les concerts, les opéras, les films, voire les
manifestations sportives relèvent en général d’un dirigeant (artiste ?) associé
à une multitude de professionnels de différentes spécialités. Les budgets
peuvent être énormes (Le film Guerre et Paix en 1968 a atteint 700 millions de
dollars, une représentation d’opéra
Les nouveaux métiers de l’art. La marchandisation de nombreux domaines d’activités
culturelles ont conduit à l’essor de métiers où la création est très encadrée
par des normes dictées par un certain marketing de l’esthétique :
scénarios de séries télévisées, bandes dessinées, romans, jeux vidéos, design
des objets, emballages de produits de consommation, architecture, mobilier
urbain et de l’espace public.
Le star système du monde artistique contemporain détermine le statut et la rémunération
des artistes. Les artistes vivent misérablement sauf les stars. Ce système est
largement accepté car tout artiste aspire ou espère devenir une star. Ce mode
de fonctionnement s’applique également au sport spectacle, aux salariés face
aux rémunérations extravagantes des patrons, aux petits trafiquants de drogue
face aux parrains de la maffia ou à la scène terroriste de base face aux
seigneurs de la guerre.
L’industrie culturelle
favorise l’émergence des mastodontes de la création et de la diffusion
artistiques (Time Warner, Walt Disney, Canal + : cinéma ; Pearson,
Bertelsmann : édition ; Vivendi, Sony : musique ; Google,
Youtube, Netflix : Internet, par exemple). L’économie de l’immatériel
répond à la loi des rendements croissants et, aujourd’hui, elle est
essentiellement américaine en venant de Silicon Valley, Hollywood ou Wall
Street.
Les autorités françaises
cherchent à défendre l’exception
française en matière culturelle face à la menace que font peser ces
mastodontes sur la diversité. Bien que cette politique favorise également les
copinages franco-français n’allant pas toujours dans le sens de la
diversification culturelle ou politique, elle constitue néanmoins un facteur de
régulation de la création et la diffusion artistiques dominée mondialement par
la logique du marché américain.
Dans la Dialectique de la Raison, par Adorno
et Max
Horkheimer, deux membres fondateurs de l'École de Francfort, il est affirmé que la
diffusion massive de la culture met en péril la véritable création artistique.
Le Conseil Supérieur de
l’Audiovisuel (CSA)
défendant un « modèle audiovisuel
qui soit un lien social favorisant la diversité culturelle et le pluralisme
politique » se montre préoccupé
par l’arrivée de la télévision à la
demande américaine Netflix (notamment via Bouygues). Celle-ci imposera ses
séries à bas prix à partir de la personnalité supputée des consommateurs
élaborée à partir d’algorithmes d’analyse statistiques des usages. (Le Monde
des 14/15 septembre 2014).
La vassalisation de la culture mondiale par les mastodontes américains. Selon l’économiste Daniel
Cohen (né en 1953) dans « La
prospérité du vice. Une introduction (inquiète) à l’économie » : « Hollywood traite les sujets
universels : l’argent, le sexe et la violence pour un public-monde. Les
producteurs nationaux complètent l’offre en inscrivant à moindre frais, ces
grands thèmes dans la réalité du pays. »
Il conclut : « L’Empire romain est mort de s’être
enfermé dans une « coquille d’indifférence cognitive » au monde de la production. »
La
censure artistique a existé de
tout temps pour des raisons politiques, idéologiques,
Le droit d’auteur est une
construction juridique complexe qui organise la propriété intellectuelle,
littéraire, artistique, des auteurs et des ayant-droits comme les héritiers ou
les éditeurs qui peuvent devenir les maîtres de fait des œuvres.
La mondialisation de la
diffusion des œuvres littéraires et musicales par des géants d’internet
(Google, Amazon, Youtube, Deezer) modifie les conditions de maîtrise du devenir
de leur œuvre par les créateurs.
La création artistique et le cerveau
Notre corps porte en lui des
mémoires inconscientes, dites procédurales, dans le cerveau mais aussi dans ses
autres organes. Elles permettent d’écrire, parler, jouer d’un instrument de
musique, marcher, danser, chanter, jongler, rouler en vélo, conduire une
voiture. Ces mémoires s’incrustent à force d’entrainement. Pour l’artiste,
elles associent le geste, les sens, les représentations mentales. Chacun
d’entre nous, sans être nécessairement artiste, a pu faire l’expérience de chanter
automatiquement les paroles et l’air d’une ancienne chanson qu’il croyait avoir
oubliée.
La création d’une œuvre
originale, de son côté, relève de mécanismes cérébraux complexes et mystérieux.
L’intuition artistique, ne connaît
pas de lois (comme l’amour qui est enfant de Bohème dans Carmen). Elle
relève de processus inconscients. La technique mise en œuvre, quant à elle,
suit des processus bien conscients et matériels de l’entrainement du geste, du
regard ou de la voix.
La prédisposition génétique à
la création artistique est nécessairement complétée par un long travail de
maîtrise de l’art en question.
Il faut, parait-il, dix mille
heures d’entrainement pour exécuter une tâche complexe avec génie.
« Mon esprit est en face de quelque chose qui
n’est pas encore, et que seul il peut réaliser, puis faire entrer dans la
lumière », écrit Marcel Proust
(1871-1922).
Le philosophe Alain (1868-1951)
dit que l’artiste est lui-même « spectateur
de son œuvre en train de naître », il poursuit : « un beau vers n’est pas d’abord en projet et
ensuite fait, mais il se montre beau au poète » (Système des
beaux-arts, 1920).
Comme tout langage, l’œuvre
d’art constitue à la fois une réduction et une extension du réel dans le temps,
dans l’espace et dans la complexité. Elle est la part créative ancrée dans la
conscience humaine, de l’homo faber.
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Propos entendus
+ Articulation du
débat : D’où vient l’œuvre ? que devient-elle ?
+ « Quand j'étais jeune, mes livres s'écrivaient d'eux même. Je n'en
étais pas le maître. La lune, l'herbe, le visage solaire de l'amoureuse et la
vie, qui est plus forte que la vie et la mort réunies, tout les
écrivait. » Christian
Bobin (né en 1951)
+ Les artistes préhistoriques
des peintures rupestres avaient-ils un inconscient ? ...
+ L’œuvre sert à affirmer la
propre existence de l’artiste et à mieux comprendre le monde.
+ Les artistes n’ont pas
toujours pensé la même chose.
+ « Les
dieux, gracieusement, nous donnent pour rien tel premier vers; mais c'est à
nous de façonner le second, qui doit consonner avec l'autre, et ne pas être
indigne de son aîné surnaturel. » Paul Valéry
(1871-1945)
+La valeur marchande et la
valeur morale d’une œuvre sont-elles compatibles ?
+ L’artiste recherche la
vérité dans l’universel, dans l’association du sensible et de l’esprit, du beau
et de la technique. Un artiste est un génie qui maîtrise un art sans le
savoir.
+ Hegel
(1770-1831) a essayé de rationaliser ce qui n’est pas rationnel.
+ L’inspiration soudaine est
inexplicable. Elle s’appuie sur une technique et des outils.
+ L’interprète a du talent
mais pas nécessairement du génie.
+ Le matériau commande la
création.
+ L’artiste fait un pacte
avec Dieu. Le créateur est un éveillé. Il se soumet à l’universel et en est le
témoin.
+ Le premier vers vient par
les cinq sens.
+ L’œuvre est un acte de
désobéissance.
+ Pygmalion a
gardé Galatée, son œuvre.
+ Ravel a colorisé Moussorgski...Ravel, c’est la naissance perpétuelle...
+ L’artiste est le secrétaire
du divin.
+ Le génie est-il génétique ?
+ Le créateur peut se sentir
étranger à son œuvre.
+ Le style est dans l’interprétation.
+ L’inspiration vient de l’intérieur,
l’expiration de l’extérieur.
+ L’anacrouse donne l’impulsion initiale
d’une mélodie.
+ « Il dépend de celui qui passe
Que je sois tombe ou trésor
Que je parle ou me taise
Ceci ne tient qu'à toi
Ami n'entre pas sans désir » Paul Valéry – Palais de Chaillot (y
consulter les autres citations de Valéry sur l’art)
+ Le créateur confie son œuvre
à un interprète.
+ L’œuvre est inspirée par
une transcendance.
+ La transcendance vient de l’enfance.
La plupart des artistes ont connu un traumatisme dans l’enfance.
+ Dieu doit beaucoup à Bach.
+ Respecter l’œuvre, c’est la
figer.
+ Aujourd’hui la musique
baroque n’est pas jouée comme dans les années 1970.
+ La richesse d’une œuvre, c’est
de pouvoir la réinterpréter. Elle échappe à l’auteur.
+ L’interprétation est-elle
une trahison ?
+ En coréen « l’oiseau
chante » se dit « l’oiseau pleure ».
+ Le spectateur a des filtres
de sensibilité. Il lui faut des clés de compréhension et de sensibilité.
+ La perception de la musique
est culturelle.
+ A notre époque chacun de
nous a entendu davantage de musiques diverses que Bach à son époque.
+ Au-dessus du créateur, il y
a quelque chose.
+ Les Impressionnistes ont
transcendé la photographie.
+ L’art, c’est le lien à l’homme.
+ Les traductions ont enrichi
les textes sacrés.
+ L’œuvre, c’est 10 % de
génie et 90 % de travail.
+ La beauté d’une œuvre peut déclencher
des réactions physiologiques d’émotions, larmes, battements de cœur.
+ La Joconde a souvent été reprise
et détournée par des artistes.
+ L’art ne peut être enfermé.
+ Il y a des amateurs
créatifs.
+ Il faut parler à l’œuvre.
+ L’artiste ne se rend pas
nécessairement compte de son talent. C’est son choix, son désir.
+ Le maître, c’est le public.
+ Les artistes ont des
problèmes de survie économique. Ils doivent se soumettre à l’économie.
+ L’artiste est maître de sa
liberté d’expression. Mais l’œuvre ne lui appartient plus.
+ L’œuvre échappe à son
créateur, puisqu’elle est appelée à lui survivre.
+ Celui qui agit est
inconscient.
+ Il n’y a rien de
transcendant dans l’art...
+ L’artiste maîtrise son œuvre
mais pas son génie.
+ La France est un pays d’amateurs...
+ L’humanité a échappé à son
créateur.
+ Le processus de création
est complexe : transcendance, matériau, liberté, inconscient,
environnement...
+ Certains artistes ont rendu
copie blanche à cette dissertation « l’artiste est-il maître de son art ?
«
+ La nature est-elle maître
de sa beauté ?
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